聖闘士星矢と、大人向けの繊細な物語の必要性 (2024年2月6日 - Google 翻訳による翻訳)

 注意：このテキストの批評は、東映による最新の聖闘士星矢のオーディオビジュアル制作に関するものです。

映画の興行収入が惨憺たる結果に終わった実写映画を過ぎて、聖闘士星矢のフランチャイズをより魅力的にする方法を考え直す必要があると思います。私は聖闘士星矢の熱狂的なファンとして、少年向けの典型的な格闘アニメの古いフォーミュラに飽きてきました。最近、私の関心を引いた2つのタイトルがあります。それは、私にとって非常に愛着のある2つのアニメであり、聖闘士星矢に求めるものについて考える基盤となる可能性があります。これらのアニメは次のとおりです：葬送のフリーレン（葬送のフリーレン）と王様ランキング（王様ランキング）。今日は最初のものについてのみ話します。

葬送のフリーレンは、最近私の注意を最も引いたアニメです。私はまだそのマンガを読んだことがありませんが、アニメを見たとき、それが「青年」のカテゴリーの作品であると思いました。それが「少年」として分類されていることを知って驚きました。実際、戦闘を含むアークは「少年」のカテゴリーに典型的ですが、このアニメの魅力は物語の質とその成熟度にあります。葬送のフリーレンには、私が聖闘士星矢で見たいと思っているいくつかの特徴があります。このリストは重要度の順ではないことを覚えておいてください。すべての特徴は同じくらい重要であり、相互依存しています。

1) 成熟した生命、死、喪失の痛みについての熟考

『葬送のフリーレン』は、最初からその目的を隠すことなく物語です。これはフリーレン、主人公の発見と自己発見の旅です。フリーレンは何千年も生きる能力を持っているため、時間の経過に対する異なる考え方を持ち、それが彼女を人間の時間について考えさせます。私たちは、愛する人との生活時間をどのように楽しむべきか、その人々の死を受け入れること、そして私たちがそれらから持っている思い出について考えます。これは私たち全員が行う考察です-特に私たち大人にとってです。私は40歳を超える聖闘士星矢のファンです。私の両親はかなり高齢で、多くのことを手伝っています。私は老いの困難を肌で感じ、また、私が愛する人々と一緒に人生の終わりにいる問題と密接に接触しています。私は観る作品で人生の有限性についての熟考を望みますが、『葬送のフリーレン』はその点で非常に優れています。

この種の考察は、日本人にとってだけでなく、高齢者が多い人々にも非常に関連性がありますが、私たちファンにも関連性があります。若者が体験する冒険に熱心になるのはいいことですが、私を最も魅了する物語は、これらのキャラクターが死と喪失の重さにより敏感になるものです。そして、このテーマで観客を感動させるには、このテーマの扱い方に非常に注意を払うことが非常に重要です：観客が瞬時に瞬間を考え、急いでなく、非常に上手に書かれた対話が必要です。

『葬送のフリーレン』のエピソード4が私にとって印象的でした。その終わりは、見かけはシンプルですが非常によく構築された対話を示しています。アイゼンはフェルンに謝罪し、フリーレンに提案する旅が彼女の人生の10年を要すると述べます。フェルンは、フリーレンとの旅で同じ場所であまり時間を費やしたくない10代の少女であり、彼女の目標よりも道を考えます。彼女にとって、10年は非常に長い時間です。ここで、これらの10年は無駄な時間だという考えがあります。フリーレンは、アイゼンとフェルンの会話を聞いて、「そうだね。たったの10年の冒険だよ」と言います。ここでは、フリーレンの発言には2つの意味があると考えることができます。最初の意味は、フリーレンは数百年生きているため、10年は非常に短いと感じるというものです。彼女は、ヒンメルとの冒険の最後にも同じことをコメントしています。しかし、2番目の意味こそが、この対話を観客にとってより美しく意味のあるものにしています。フリーレンはすでにヒンメルの死を経験し、友達との冒険の10年が非常に重要であることを理解しています。この「たった10年」というコメントは、以前と同じではありません。ここでは、彼女が言っているように、「たった10年ですが、その時間を最大限に活用しましょう」ということです。言い換えれば、彼女にとっては、10年は無駄にはならず、むしろ非常に重要な10年であり、彼女や他のキャラクターが欠かせないものになるでしょう。フリーレンがその時間を活用すべきだとは言わなくてもいいのです。観客が理解する必要があります。美しいものは何も言わないが含まれていることがあります。観客の知性と成熟度も考慮する必要があります。したがって、私たちは単純な対話ですが、非常に強力な意味を持つものを持っています。これは、成熟した観客を考慮に入れた高品質な執筆の結果です。

生と死についての考察は、子供向けの制作では珍しくありません。実際、これらのテーマに関連する子供向けのアニメーションが多数存在します。子供の頃に見たすべての制作物は、私の心に強い関係を持っていました。例えば、1988年のアニメーションのリトルフットの大冒険は、母親を亡くした孤児の恐竜であるリトルフットの物語です。また、私の世代の多くの人々が、ディズニーの『ライオン・キング』でムファサの死を覚えています。これはシンバの人生に深い影響を与えます。しかし、これらのテーマは大人にとっても重要です。つまり、それらは普遍的なテーマです。これは最初に日本の少年を対象とした製品のターゲットを広げるための道です。普遍的なテーマは、年齢、性別、国籍に制限されません。

ただし、物語を記憶に残るものにするには、キャラクターを殺すだけでは十分ではありません。物語の中でそのキャラクターの死を意味深く構築する必要があります。リトルフットはまだ母親の死の l l 喪のプロセスにいます。彼の母親の思い出の葉っぱを持っていることから、その痛みが明白です。キャラクターの死の瞬間は速くありません。それは遅いです、なぜなら観客も喪にあるからです、そして喪にある人々には時間が必要です。今日、高速消費の時代に、人々は動画を速度を上げて視聴したり、素早くコンテンツを見たりするとき、悲しみや喪は数分で発生し、加速されることはできないことを覚えておくことが重要です。したがって、これらのシーンの構築には時間と感受性が必要です。さらに、このような印象的な瞬間はキャラクターに思考をもたらします。ヒンメルの死はフリーレンにとって重要です。それは彼女が彼を愛しているからだけでなく、この死が彼女の内に反省を生み出しました。フリーレンは、ヒンメルの死後、人生を異なる視点で見るようになりました。キャラクターは、これらの印象的な瞬間から発展する必要があります。そして、プロデューサーは、敏感な問題に触れることの目的は、アニメを視聴する人々の感情を揺さぶることであることを心に留めておく必要があります。したがって、この視聴者が大人であるということを考慮する必要があり、これらの物語の構築を見るための十分な深さが必要です。

2) 物語の美学的構築

重要な瞬間は、テーマだけでなく、それらが構築される方法によっても物語の中で構築されます。ここで私が話しているのは、物語の芸術です。アニメは製品であることを知っています。そして、製品はお金を生み出す必要があります。しかし、物語の構築の芸術的側面を忘れてはなりません。芸術は強力であり、直接的なメッセージよりもはるかに影響を与えます。芸術は解釈される必要があり、観客はそれを解釈するために十分に賢くなければなりません。それが聖闘士星矢の観客が必要とするものだと信じています。

たとえば、『葬送のフリーレン』の時間の構築を考えることができます。フリーレンの自己発見の物語全体は、ヒンメルの死から始まります。キリスト教の世界では、時間が紀元前および紀元後のシステムで分割されることが一般的です。同様に、『葬送のフリーレン』の物語の時間のすべての計算は、ヒンメルの死から始まります。時間は『葬送のフリーレン』の中で中心的な要素であり、アニメのメッセージの一部です。そのため、時間がフリーレンの人生の中で人間の時間の価値を認識する時点から数えられるようになる、つまりヒンメルの死から始まるということは理にかなっています。フリーレンのこの自覚の取り組みが時間の経過に反映される方法は非常に興味深いです。時間の物語の構造を選択することは、作者の意図によって生じ、それは芸術的な選択です。これは、『葬送のフリーレン』におけるイベントと時間の重要性を強調します。

フリーレンのアニメでは時間の経過自体も作者の意図に影響を受けます。フリーレンの旅の興味は、エンデへの到達目標ではなく、旅そのものです。日常の出来事は、アニメの「スライス・オブ・ライフ」カテゴリーに典型的な出来事であり、この旅の目標にも含まれており、例えば、グループが途中で直面する戦いとは無関係に、誕生日の祝賀もその一部です。私たちの興味は、これらの出来事が観客に引き起こす考えであり、これによってこれらのキャラクターの物語がより意味深いものになります。それらは重要ですので、急いで伝える必要はありません。観客もこれらの小さな瞬間を楽しむための時間が必要です。この種のアニメの物語の利点の1つは、戦闘シーンのダイナミズムの必要性と比較してアニメーションの節約も含まれます。ここで重要なのは、「時間を潰すため」のイベントではなく、物語やキャラクターの構築に関連する重要なイベントであり、非常にシンプルですが感動的で意味のあるものです。

物語の意味の構築においてナラティブアートが重要である別の例は、フリーレンが高齢のヴォルと会話する感動的なエピソードです。ヴォルは老齢で認知症の兆候を示しており、彼は妻のことをもう覚えていませんが、彼女の村の守護者として留まっています。このキャラクターが持ち込むメッセージは非常に強力です：重要な記憶を失うことができます。この人物が重要だと思っても「この人物を忘れることはない」と考えても、時間はその人物に関連する記憶を消し去ることができます。特に認知症などの疾患に苦しむ高齢者の場合は尚更です。この物語のこの瞬間では、二重または鏡として知られるナラティブテクニックが見られます。これは、セイントセイヤの実写映画でシンが幼少期の自分と出会うような典型的な使い方がされています。ここでは、『葬送のフリーレン』では、鏡はフリーレンのアイデンティティが象徴的に複製され、ヴォルの姿に反映されます。フリーレンはヴォルと対峙し、ヒンメルを覚えていることは明らかだと主張しますが、ヴォルは高齢で妻をすでに覚えていないという意味です。この対決の意味は視覚的にもよく表現されています。

この画像では、フリーレンがヴォルよりも高い場所にいます。私たちが年を取るにつれて、死に近づいていきます。私たちは衰えていきます。それがこの画像に表れています。ヴォルはより低い位置にいるのは、彼がフリーレンよりも死に近づいているからですが、いつかフリーレンも彼と同じ位置になることになります。したがって、物語は私たちに、たとえヒンメルが彼女にとっていかに重要であっても、いつかフリーレンも彼の特徴を忘れてしまう可能性があることを示唆しています。私の家族にもそのような状況の人がいますし、それは非常に痛ましい現実です。このアニメのシーンは私を非常に感動させました。したがって、ここには、鏡のリソースと終末を表す斜面を通じて芸術的に構築された強力なメッセージの例があります。

二重の要素は、アニメや漫画で頻繁に使用されます。ただし、この二重がキャラクターと彼自身のイメージ（実写映画の大人の星矢と若い星矢など）またはキャラクターと彼にとって重要な人物（ロストキャンバスのサジタリアスのシジフォスとサーシャなど）の間で発生する場合、それは明らかで退屈になります。多くの他の作品で過度に使用されたためです。

聖闘士星矢の制作陣には、物語の構造に対する芸術的な配慮がより必要だと思います。聖闘士星矢を考えると、キャラクターたちのドラマチックな瞬間だけでなく、いくつかの重要な瞬間も思い浮かびます。

私が好きな聖闘士星矢の芸術的な構築の良い例は、『聖闘士星矢 THE LOST CANVAS』の漫画にあります。この漫画で最も重要な1コマは、全黄金聖闘士が大教皇の間に描かれたものです。ただし、シオンは会議に遅れて到着します。大教皇の間の奥には、玉座に座る大教皇がいます。このコマは、黄金聖闘士を読者に正式に紹介するものです。その後、外伝シリーズでは、シオンの物語で同様のコマが登場します。ただし、このイメージでは、玉座は空です。読者は、黄金聖闘士がシオンに大教皇の座を譲るために敬意を表していることを理解します。シオンは大教皇の座についたのは功績ではなく、彼とドーコだけが生き残ったからです。彼以外に大教皇の座につける者はいなかったのです。彼は同僚の黄金聖闘士から大教皇の座に就くための承認を受けたわけでも、自分が承認されるかどうかも確信していません。黄金聖闘士たちがシオンに大教皇になる道を譲る様子を見たシオンにとって、それは承認と大きな名誉の表れであり、読者にカタルシスを与えます。1つ目と2つ目のコマの唯一の違いは、2つ目のコマに大教皇がいないことです。画像のわずかな変更が、読者にとって既知のイメージに完全に異なる意味をもたらしました。これが美的変容です。詩や文学では、単語や要素が新しい意味を持ち、それが私たちの読解を豊かにします。これこそが芸術です。同様に、『THE LOST CANVAS』の作者は、この2つのコマに新しい意味を与えることで芸術を作り出しました。このイラストを初めて見たとき、私は非常に感動し、涙が出ました。これは感情的だけでなく、芸術的なコマの構築があったからこそ可能でした。私は、アニメ版の聖闘士星矢もこのような芸術的なレベルに達して欲しいと思います。

もちろん、芸術的な意図が常に観客に意識的に伝わるわけではありません。しかし、観客はしばしば、それを合理的に説明できなくても美しさを感じ取ることができます。そして、その観客が特定のシーンで芸術がどのように構築されているかに気づいたとき、彼らは非常な喜びを感じ、その作品をより高く評価するでしょう。

3) 静かな時間

このテキストで既に触れたように、物語の語り口は加速させることはできません。聖闘士星矢の物語には戦いが含まれており、アクションシーンは当然、速いです。しかし、キャラクターが対話や戦場以外の場面で発展する瞬間は加速できません。視聴者が戦いがないと退屈になるという心配が制作者たちの心配の一部であると思います。しかし、私にとって、戦いは戦いの背後にある興味深いサブプロットがある場合にのみ興味深いです。

聖闘士星矢の特徴の1つは、キャラクターが未解決の問題を解決するために戦う場面です。たとえば、瞬が自分の師匠の死を報復し、男としての自分の価値を証明するためにアフロディーテに立ち向かうときのような場面です。戦いの最中、瞬がアンドロメダの島でのトレーニングについてのフラッシュバックがすべて提示され、師匠が瞬にとってどれほど重要だったかを視聴者に示すことが意図されています。聖闘士星矢の戦闘は、そのようなサブプロットがあるために2つ以上のエピソード続くことがあり、それにより戦いに意味が与えられ、感動的になります。要するに、行動が興奮を呼び起こし、文脈が感動を与えます。戦いに興奮することは、それに感動するよりも記憶に残りません。私は聖闘士星矢により感動的な戦いを持ってほしいと思います。

その感情が物語に構築されるためには、物語を加速させないことが重要です。Soul of Goldのように、12の黄金聖闘士全員が登場する急いだ物語よりも、3人の黄金聖闘士に焦点を当てた物語の方が好ましいです。このアニメの意図は、神聖な聖衣を身につけたアクションフィギュアをリリースすることでしたが、アニメーションと脚本にもっと注意を払い、急いでいない物語をファンに提供することは歓迎されたでしょう。少なくとも私は、その物語に共感することもなく、愛着を持つこともなく、そのためにアクションフィギュアを購入したいと思いませんでした。

現代の世界では、私たちは非常に速いペースで生活しています。今日の若者は、ビデオを倍速で視聴する習慣があります。しかし、私は新世代の誰もが、前の世代よりも半分の時間で悲しみや喪失を克服することはないとは知りません。強い感情を処理するのにかかる時間も同じです。そのため、聖闘士星矢の感動的なシーンやキャラクターの感情の構築も急いではいけません。また、葬送のフリーレンは、視聴者が急いだ物語ではなく、ゆっくりと瞑想的な物語を求めていることを示しています。私は、聖闘士星矢でそれが不足していることを非常に感じています。

結論

もちろん、聖闘士星矢で見たいと思うことは他にもありますが、私が重要だと考える3つの要素を挙げました。これらの要素は、印象的なアニメの脚本の質に不可欠です。商品の販売を目的としてアニメを作成することは理にかなっています。しかし、聖闘士星矢のフランチャイズが年を重ねるにつれて弱体化したのは、主にここで挙げた要素が欠如しているためです。そして、葬送のフリーレンが、この要素が該当製品の成功にとって重要であることの証拠です。強力な聖闘士星矢の製品を持つことは不可能です。それが、葬送のフリーレンや他の効果的に物語やキャラクターの感情を扱うアニメなどの強力なタイトルと競争できない場合です。読者やファンの感情を刺激するようにストーリーを処理します。私と同様に、これらのファンも大人です。私たちは物語の構造を分析する能力が高いので、芸術的な質の高い物語が必要です。

明らかなことですが、明言します：アニメのストーリーに対するファンの肯定的な意見は、フランチャイズの成功にとって不可欠です。葬送のフリーレンは、わずかな時間でAnimeListで1位を獲得しました。いくつかの影響力のある人々の良い意見は、他の意見形成者がその製品を賞賛することを引き起こします。ファンや一般の視聴者の口コミによって、人々は興味を持ちます – アメリカ人も含めてです！聖闘士星矢のフランチャイズが再び成功するには、このような良い世評のプロセス、特にファンの世評、を経る必要があります。

Saint Seiya and its need for sensitive narratives for adults (February 6, 2024 - Translated by Google Translate)

Note: the critique in this text is regarding the latest audiovisual productions of Saint Seiya made by Toei. 

After the live action film, whose box office results were a disaster, I think we need to rethink how to make the Saint Seiya franchise more attractive. As a passionate fan of Saint Seiya, I’ve been getting tired of the old fighting anime formula, typical of shounen. There are two recent titles that caught my attention. These are two animes that have become very dear to me and that can serve as a basis for us to reflect on what I want from Saint Seiya. These animes are: Sousou no Frieren (葬送のフリーレン) and Ousama Ranking (王様ランキング). Today I will only talk about the first.

Sousou no Frieren is the anime that caught my attention the most recently. I never read the manga, and when I saw the anime, I thought it was a work in the “seinen” category. I was surprised when I saw it was classified as “shounen”. Although the arcs involving actual fighting are typical of the “shounen” category, what draws attention to this anime is the quality of the narrative and the maturity of the story. Sousou no Frieren has some characteristics that I want to see in Saint Seiya. Please note that this list is not in order of importance. All are equally important and interdependent characteristics.

1) Mature reflection on life, death and the pain of loss

Sousou no Frieren is a story that doesn’t hide what its purpose is from the beginning. It is a journey of discovery and self-discovery for Frieren, the protagonist. Frieren, having the ability to live for thousands of years, has a different notion of the passage of time, which leads her to reflect on human time. We reflect on how we should enjoy life with those we love, on accepting the death of these people, on the memories we take with them. This is a reflection that we all make – especially us adults. I am a Saint Seiya fan who is over forty years old. My parents are very old and need my help with many things. I experience the difficulties of old age up close and have very close contact with the issue of death, which will inevitably come to people I love who are at the end of their lives. I want reflections on the finiteness of life in the works I see, and Sousou no Frieren deals with this with great quality.

This type of reflection is very relevant, not only for the Japanese people, who have a significant elderly population, but also for us, fans, who are at a stage of life where many are living with elderly parents. It’s nice to see young people enthusiastic about the adventures they will experience, but the narratives that appeal to me the most are those where these characters are more sensitive to the weight of death and mourning. And to engage the audience with this theme, it’s very important to pay attention to how this subject is addressed: a narrative is needed that allows the viewer time to contemplate the moment, without haste, with very well-written dialogues.

One of the episodes of Sousou no Frieren that stuck with me was the 4th. The end of it presents an apparently simple, but very well constructed dialogue. Eisen apologizes to Fern, as the journey he proposes to Frieren will take 10 years of his life. Fern, a teenager who doesn’t want to spend too much time in one place on her journey with Frieren, thinks much more about her goal than about the path. Ten years for her, who is human, is a long time. We have the idea here that these 10 years are lost years, thrown away. Frieren, listening to the conversation between Eisen and Fern, says: “You’re right. It will be an adventure of just 10 years.” Here, we can think of two meanings for Frieren’s speech. The first sense is that Frieren, having lived hundreds of years, feels that 10 years is a very short time. She comments the same at the end of her adventure with Himmel. However, the second meaning is what makes this dialogue more beautiful and meaningful to the audience. Frieren has already experienced Himmel’s death and already understands that the ten years of adventure she lived with her friends are extremely important. This comment that the adventure “only” takes ten years is not the same as before. Here, it’s as if she said: “it will only be 10 years, so let’s make the most of this time”. In other words, for her, it won’t be 10 wasted years, but 10 very meaningful years that she and the other characters will miss. Note that it is not necessary for Frieren to say that this time should be used. It’s up to the public to understand this. Often, the beauty lies in what is left unsaid but implied. It’s necessary to also rely on the intelligence and maturity of the audience. In this way, we have a simple dialogue, yet with a very strong meaning. This is the result of quality writing that takes into account the maturity of its audience.

Reflections on life and death are not uncommon in productions for children, so much so that we have many animations aimed at children on these themes. All the productions that I saw as a child and that remained in my emotional memory had a strong relationship with these themes. To this day, I remember The Land Before Time, a 1988 animation, which tells the story of Littefoot, a dinosaur who becomes an orphan and needs to go on a journey shortly after losing his mother. Many of my generation also remember the death of Mufasa, from Disney’s Lion King, an event that marks Simba’s life. However, these themes are also dear to adults, that is, they are universal themes. This is the way to expand the target audience of a product initially aimed at Japanese boys. Universal themes are not limited to age, gender or nationality.

However, it is essential to comment that it is not enough to kill a character to make the narrative memorable: it is necessary to construct the death of that character in a significant way within the narrative. Littlefoot is still in the process of mourning his mother’s death, and this pain is evident in the leaf he carries as a souvenir of his mother. The moment of character death is not quick. It’s slow, because the audience is also grieving, and grieving people need time. Today, in times of rapid consumption, when people watch videos at accelerated speed or view fast-paced content, it is important to remember that sadness and grief do not happen in a few minutes and cannot be accelerated. Therefore, the construction of these scenes requires time and sensitivity. Furthermore, remarkable moments like this generate reflection in the characters. Himmel’s death is important to Frieren not only because she loves him, but because his death sparked reflection in her. Frieren began to see life differently after Himmel’s death. The characters need to develop from these important moments, and producers need to keep in mind that the objective of touching on sensitive subjects is to affect the feelings of those watching the anime. Consequently, it is necessary to consider that this audience is adults and that they have the capacity and maturity to see and evaluate the structure of these narratives. These topics need to be treated with the necessary depth to please an adult.

2) Aesthetic construction of the narrative

Significant moments are constructed in the narrative not only with strong themes, but also by the way they are structured. And here I’m talking about narrative art. We know that anime are products, and products need to generate money. However, we cannot forget the artistic dimension of narrative construction. Art is powerful and impacts much more than a direct message. Art needs to be interpreted, and the audience needs to be intelligent enough to interpret it. I believe this is what the Saint Seiya audience needs.

We can think, for example, about the structuring of time in Sousou no Frieren. Frieren’s entire story of self-discovery happens only after Himmel’s death. It is common in the Christian world to divide time according to the Anno Domini system (BC and AD). Likewise, the entire narrative of Sousou no Frieren takes place after Himmel’s death. Time is a central element of Sousou no Frieren and is part of the anime’s message. Therefore, it makes sense that time begins to be counted from the death of Himmel, that is, from the moment in which Frieren awakens to the appreciation of the time of humans in his life. It is very interesting how Frieren’s awareness is reflected by the increasingly smaller time jumps. The choice to structure the time of the narrative is generated by the author’s intention and is an artistic choice, which highlights the importance of events and time in Sousou no Frieren.

The very passage of time in Frieren’s anime is influenced by the author’s intention. What interests us about Frieren’s journey is not his goal of going to Ende, but the journey itself. Common events, typical of anime in the “slice of life” category, are part of the objective of the narrative, including the celebration of birthdays, and are in no way related to the struggles that the group faces along the way. What interests us is the reflection that these events generate in the public, which makes the story of these characters more meaningful. They are important, so they should be told without rushing. The audience needs to have time to appreciate these small moments as well. A positive point of this type of narrative in anime is also the economy of animation compared to the need for dynamism in fight scenes. It is important to note here that I am not referring to events to “kill time”, but rather to events relevant to the construction of the story and characters, which can be very simple, but moving and meaningful.

Another example of how art in the narrative is important in the construction of meanings in the story is in the moving episode in which Frieren talks to Voll, an elderly dwarf who shows signs of senility. Although he no longer remembers his wife, he remains the protector of her village. The message this character brings is powerful: it is possible to lose important memories. No matter how much we think “this person is important and I will never forget them”, time can erase the memories involving this person, even more when it comes to elderly people affected by diseases such as dementia. At this moment in the narrative, we see a narrative resource known as a double or mirror. It was used in a very cliché way in the Saint Seiya live-action film, in which the character Seiya meets his double, but a child. Here, in Sousou no Frieren, the mirror is very well used in a scene in which Frieren’s identity is symbolically doubled and reflected in Voll’s figure. Frieren confronts Voll, stating that it is obvious that she remembers Himmel, while Voll, being elderly, no longer remembers his wife. The meaning of this confrontation is well portrayed visually, as in the following image:

In this image, we see that Frieren is in a higher place than Voll. As we age, we get closer to death. We are declining. This notion is evident in this image. Voll is at the bottom because he is closer to death than Frieren, but one day Frieren will also be in the same position as him. In this way, the story suggests to us that even Frieren may end up forgetting Himmel’s characteristics one day, no matter how important he is to her. I have people in my family in this situation, and this is an extremely painful reality. This scene from the anime deeply moved me. Therefore, here we have an example of a strong message that is constructed in an artistic way, through the use of the mirror and the slope that represents the end of life.

The double feature is frequently used in anime and manga. However, when this double occurs between a character and an image of himself (like adult Seiya and young Seiya in the live-action film) or between a character and someone important to him (like Sagittarius Sisyphus and Sasha, in the Lost Canvas), it becomes obvious and boring, as it has been used excessively in many other productions.

I would like Saint Seiya’s production to take greater artistic care with the way the narrative is structured. When I think of Saint Seiya, in addition to the characters’ dramatic moments, some significant moments also come to mind.

A good example of artistic construction in Saint Seiya that I like to mention is in The Lost Canvas manga. One of the most important scenes in this manga is the one that presents all the golden saints inside the Pope’s hall, with the exception of Shion, who arrives late to the meeting. At the back of the hall, sitting on a throne, is Pope Sage. This is an important frame, as it is the one that officially introduces the golden knights to the reader. Later, in the Gaiden series, we see a similar picture in Shion’s story, a vision with the gold saints in the Pope’s hall. However, in this image, the throne is empty. The reader understands that the gold saints are respectfully giving way to Shion to occupy the position of Pope. Shion did not hold the position of Pope on merit. He only survived together with Dohko, that is, he was the only one left to be the Pope. He never received approval from his fellow gold saints to hold that position and is not even sure if he would be approved. The fact that Shion sees his colleagues giving way to him to be the Pope is a sign of approval and great honor, causing a cathartic effect on the reader. Note that the only difference between the first and second pictures is the absence of the Grand Master in the second. A small change to the image brought a completely different meaning to an image already known to the reader. This is an aesthetic transformation. In poetry and literature, we are surprised when a word or element gains a new meaning, and this meaning makes our reading richer. This is art. Likewise, the author of Lost Canvas produced art in these two pictures by giving new meaning to an illustration. When I saw this illustration for the first time, I was very emotional and cried. This was only possible because the construction of this image was not only emotional, but also artistic. I want for Saint Seiya, in its anime adaptation, to embody artistry at this level.

Of course, it is necessary to take into account that artistic intention is not always consciously perceived by the audience. However, the audience is often able to capture beauty, even if they cannot describe it rationally. And then, when this audience is able to understand how the art is constructed in a given scene, they will feel enormous pleasure and give more value to the work.

3) Time for contemplation

As I’ve mentioned in this text, the way the narrative is told cannot be rushed. Of course, Saint Seiya stories involve fights, and action scenes are naturally fast-paced. However, moments where characters are developed through dialogue and moments outside of the battlefield cannot be hurried. I believe the fear of the audience getting bored due to lack of fights is a concern for the producers. But for me, the fight is only interesting when there’s an intriguing subplot behind the conflict.

One of the characteristics of Saint Seiya is the fights where characters resolve unresolved issues, such as when Shun faces Afrodite to avenge his master’s death and to prove his worth as a man. Amidst the fight, the entire flashback of Shun’s training on the island of Andromeda was shown, with the intention of showing the audience how important the master was to Shun. The fights in Saint Seiya lasted for two episodes or more because of such subplots, which gave meaning to the fight, making it thrilling. In summary: action excites, and context moves. Getting excited about a fight is not as memorable as being moved by it. I want Saint Seiya to have more emotionally charged fights.

For this emotion to be built into the narrative, it’s important not to rush the story. A well-told story about three Gold Saints is preferable to a rushed story with all 12, as was the case in Soul of Gold. Although the intention of this anime was to release the action figures with the divine cloths, greater care with the animation and script would have been welcomed by the fans, along with a story told without haste. At least for me, I didn’t develop any bond with the story and didn’t feel like buying the action figures because of the lack of this emotional connection.

In today’s world, we are very rushed. Today’s youth are accustomed to watching videos at double speed. However, I don’t know anyone from the younger generation who takes half the time to recover from sadness or grief compared to the previous generation. The time it takes us to process strong emotions is no different. Therefore, emotional scenes in Saint Seiya should not be portrayed hastily, nor should the development of the characters’ feelings. Furthermore, Sousou no Frieren is proof that the audience doesn’t want rushed stories but slow and contemplative ones. I sorely miss that in Saint Seiya.

Conclusion

Of course, there are more things I would like to see in Saint Seiya, but I’ve highlighted these three elements that are fundamental to the quality of the script of a remarkable anime. It’s understandable to develop the anime around the products to be sold. However, the Saint Seiya franchise has weakened over the years mainly because its recent productions lack the elements listed here. And Sousou no Frieren is proof that these elements are important for the success of the product in question. It’s impossible to have a strong Saint Seiya product if it cannot compete with strong titles like Sousou no Frieren and other animes that can efficiently work with the story and feelings of the characters to move the reader and the fan. It’s important to remember that these fans, like me, are adults. We have a greater capacity to analyze narrative structures, and therefore, we need narratives with better artistic quality, without forgetting the emotion.

Although it’s obvious, I assert: the positive opinion of fans about the anime’s story, together with its technical qualities, is fundamental to the success of a franchise. Sousou no Frieren, in a short time, reached #1 on AnimeList, a popular anime website. The good opinion of some influencers prompts other influencers to praise the product. Word-of-mouth recommendation among fans and the general public makes people curious about this product – including North Americans! It’s impossible for the Saint Seiya franchise to regain success without undergoing this process of good public opinion, including that of the fans.

Saint Seiya e sua necessidade de narrativas sensíveis para adultos (6 de fevereiro de 2024)

Observação: a crítica deste texto é em relação às últimas produções audiovisuais de Saint Seiya feitas pela Toei.

Passado o filme live action, cujo resultado nas bilheterias foi um desastre, acho que é preciso repensar em como tornar a franquia de Saint Seiya mais atraente. Eu, como fã apaixonada de Saint Seiya, tenho me cansado da velha fórmula de anime de luta, típico de shounen. Existem dois títulos recentes que me chamaram a atenção. São dois animes que se tornaram muito queridos para mim e que podem nos servir de base para refletirmos sobre o que eu quero de Saint Seiya. Esses animes são: Sousou no Frieren (葬送のフリーレン) e Ousama Ranking (王様ランキング). Hoje vou falar somente do primeiro.

Sousou no Frieren é o anime que mais chamou a minha atenção nos últimos tempos. Nunca cheguei a ler o mangá, e, quando vi o anime, pensei que se tratasse de uma obra da categoria “seinen”. Fiquei surpresa quando vi que era classificado como “shounen”. Ainda que os arcos envolvendo luta de fato sejam típicos da categoria “shounen”, o que chama a atenção nesse anime é a qualidade da narrativa e a maturidade da história. Sousou no Frieren possui algumas características que eu quero ver em Saint Seiya. Lembro que esta lista não está em ordem de importância. Todas são características igualmente importantes e interdependentes.

1) Reflexão madura sobre vida, morte e dor da perda

Sousou no Frieren é uma história que não esconde qual é o seu propósito desde o início. Trata-se de uma jornada de descoberta e de autodescoberta de Frieren, a protagonista. Frieren, por ter a capacidade de viver por milhares de anos, tem uma noção diferenciada da passagem do tempo, o que a leva a refletir sobre o tempo dos humanos. Refletimos sobre como devemos aproveitar o tempo de vida com aqueles que amamos, sobre a aceitação da morte dessas pessoas, sobre as memórias que levamos delas. Essa é uma reflexão que todos nós fazemos – sobretudo nós, adultos. Eu sou uma fã de Saint Seiya que tem mais de quarenta anos. Meus pais são bem idosos e precisam de minha ajuda para muitas coisas. Eu vivo de perto as dificuldades da velhice e tenho um contato muito próximo com a questão da morte, que inevitavelmente chegará para pessoas que eu amo e que estão no final da vida. Eu quero reflexões sobre a finitude da vida nas obras que eu vejo, e Sousou no Frieren trata disso com muita qualidade.

É muito pertinente esse tipo de reflexão, não só para o povo japonês, que possui uma população significativa de idosos, mas também para nós, fãs, que estamos em um momento da vida em que muitos convivem com pais idosos. É legal ver jovens entusiasmados com as aventuras que viverão, mas as narrativas que me atraem mais são aquelas em que esses personagens são mais sensíveis ao peso da morte e ao luto. E, para sensibilizar o público com esse tema, é muito importante dar atenção ao modo como esse assunto é tratado: é necessária uma narrativa que dê tempo para o espectador contemplar o momento, sem pressa, com diálogos muito bem escritos.

Um dos episódios de Sousou no Frieren que me marcou foi o 4º. O final dele apresenta um diálogo aparentemente simples, mas muito bem construído. Eisen pede desculpas a Fern, pois a jornada que ele propõe a Frieren tomará 10 anos de sua vida. Fern, uma adolescente que não quer perder muito tempo no mesmo lugar em sua jornada com Frieren, pensa muito mais no seu objetivo do que no caminho. Dez anos para ela, que é humana, é muito tempo. Temos aqui a ideia de que esses 10 anos são anos perdidos, jogados fora. Frieren, ouvindo a conversa entre Eisen e Fern, diz: “Você tem razão. Será uma aventura de apenas 10 anos”. Aqui, podemos pensar em dois sentidos para a fala de Frieren. O primeiro sentido é que Frieren, por viver centenas de anos, sente que 10 anos é muito pouco tempo. Ela comenta o mesmo ao final de sua aventura com Himmel. Contudo, o segundo sentido é o que torna esse diálogo mais bonito e significativo ao público. Frieren já passou pela morte de Himmel e já entende que os dez anos de aventura que viveu com seus amigos são extremamente importantes. Esse comentário de que a aventura leva “apenas” dez anos não é a mesma coisa de antes. Aqui, é como se ela falasse: “serão apenas 10 anos, por isso vamos aproveitar esse tempo ao máximo”. Em outras palavras, para ela, não serão 10 anos jogados fora, mas 10 anos muito significativos, dos quais ela e os outros personagens sentirão falta. Reparem que não é necessário a Frieren dizer que esse tempo deve ser aproveitado. Cabe ao público entender isso. Muitas vezes, o bonito é aquilo que não é dito, mas está implícito. É preciso contar também com a inteligência e a maturidade do público. Dessa forma, temos um diálogo simples, mas com um significado muito forte. Isso é resultado de uma escrita de qualidade e que leva em consideração a maturidade de seu público.

Reflexões sobre a vida e a morte não são incomuns em produções para crianças, tanto que temos muitas animações voltadas ao público infantil sobre esses temas. Todas as produções que eu vi quando criança e que ficaram na minha memória afetiva possuíam forte relação com esses temas. Até hoje lembro de The Land Before Time, animação de 1988, que conta a história de Littefoot, um dinossauro que se torna órfão e precisa realizar uma jornada logo depois de perder a mãe. Muitos da minha geração também lembram da morte de Mufasa, de Lion King, da Disney, fato que marca a vida de Simba. Contudo, esses temas também são caros para adultos, ou seja, são temas universais. Esse é o caminho para ampliar o público-alvo de um produto inicialmente para meninos japoneses. Temas universais não se limitam a idade, gênero ou nacionalidade.

Contudo, é fundamental comentar que não basta matar um personagem para tornar a narrativa memorável: é preciso construir a morte desse personagem de forma significativa dentro da narrativa. Littlefoot ainda está no processo de luto da morte da mãe, e essa dor é evidente pela folha que ele carrega de lembrança de sua mãe. O momento da morte dos personagens não é rápido. É lento, porque o público também fica em luto, e pessoas em luto precisam de tempo. Hoje, em tempos de consumo rápido, quando pessoas assistem a vídeos em velocidade acelerada ou veem conteúdos rápidos, é importante lembrarmos que a tristeza e o luto não acontecem em poucos minutos e nem podem ser acelerados. Assim, a construção dessas cenas exige tempo e sensibilidade. Além disso, momentos marcantes assim geram reflexão nos personagens. A morte de Himmel é importante para Frieren não só porque ela o ama, mas porque essa morte gerou uma reflexão nela. Frieren passou a ver a vida de forma diferente depois da morte de Himmel. Os personagens precisam se desenvolver a partir desses momentos marcantes, e os produtores precisam ter em mente que o objetivo de tocar em assuntos sensíveis é mexer com os sentimentos de quem assiste ao anime. Consequentemente é preciso considerar que esse público é adulto e que tem capacidade e maturidade para enxergar e avaliar a estruturação dessas narrativas. É preciso que esses temas sejam tratados com profundidade necessária para agradar um adulto.

2) Construção estética da narrativa

Momentos significativos são construídos na narrativa não só com temas fortes, mas também pela maneira como eles são estruturados. E aqui estou falando de arte narrativa. Sabemos que animes são produtos, e produtos precisam gerar dinheiro. Contudo, não podemos nos esquecer da dimensão artística da construção da narrativa. A arte é poderosa e impacta muito mais do que a mensagem direta. A arte precisa ser interpretada, e a audiência precisa ser inteligente o bastante para interpretá-la. Acredito que é disso que a audiência de Saint Seiya precisa.

Podemos pensar, por exemplo, na estruturação do tempo em Sousou no Frieren. Toda a história de autodescoberta de Frieren acontece apenas a partir da morte de Himmel. É comum no mundo cristão a divisão do tempo pelo sistema Anno Domini (BC e AD). Da mesma forma, toda a contagem de tempo da narrativa de Sousou no Frieren acontece a partir da morte de Himmel. O tempo é um elemento central de Sousou no Frieren e faz parte da mensagem do anime. Por isso, faz sentido que o tempo passe a ser contado a partir da morte de Himmel, ou seja, a partir do momento em que Frieren desperta para a valorização do tempo dos humanos em sua vida. É muito interessante como essa tomada de consciência da Frieren é refletida pelos saltos de tempo, cada vez menores. A escolha de estruturar o tempo da narrativa é gerada pela intenção do autor e é uma escolha artística, que destaca a importância dos eventos e do tempo em Sousou no Frieren.

A própria passagem do tempo no anime de Frieren é influenciada pela intenção do autor. O que nos interessa na jornada de Frieren não é o seu objetivo de ir até Ende, e sim a própria jornada. Eventos comuns, típicos dos animes da categoria “slice of life”, são parte do objetivo da narrativa, inclusive a comemoração dos aniversários, em nada relacionados às lutas que o grupo enfrenta no caminho. O que nos interessa é a reflexão que esses acontecimentos geram no público, que tornam a história desses personagens mais significativa. Eles são importantes, por isso devem ser contados sem pressa. O público precisa ter tempo para apreciar também esses pequenos momentos. Um ponto positivo desse tipo de narrativa em animes é, também, a economia de animação em comparação com a necessidade de dinamismo das cenas de luta. É importante observar aqui que eu não me refiro a eventos para “matar o tempo”, e sim a eventos relevantes na construção da história e dos personagens, que podem ser muito simples, mas comoventes e significativos.

Outro exemplo de como a arte na narrativa é importante na construção de significados da história é no comovente episódio em que Frieren conversa com Voll, um anão idoso que mostra sinais de senilidade. Embora ele não se lembre mais da esposa, permanece como protetor da vila dela. A mensagem que esse personagem traz é poderosa: é possível perder memórias importantes. Por mais que pensemos “essa pessoa é importante e eu nunca vou esquecê-la”, o tempo consegue apagar as memórias envolvendo essa pessoa, ainda mais quando se trata de idosos acometidos por doenças como demência. Nesse momento da narrativa, vemos um recurso narrativo conhecido como duplo ou espelho. Ele foi empregado de forma bem clichê no filme live-action de Saint Seiya, em que o personagem Seiya encontra seu duplo, mas criança. Aqui, em Sousou no Frieren, o espelho é muito bem empregado numa cena em que a identidade de Frieren é simbolicamente duplicada e refletida na figura de Voll. Frieren confronta Voll, afirmando que é óbvio que se lembra de Himmel, enquanto que Voll, por ser idoso, já não se lembra de sua esposa. O significado desse confronto é bem retratado visualmente, como na imagem a seguir:

Nessa imagem, vemos que Frieren encontra-se num lugar mais alto do que Voll. À medida que nós envelhecemos, vamos nos aproximando da morte. Nós vamos declinando. Isso está presente nessa imagem. Voll está na parte mais baixa porque ele está mais próximo da morte do que Frieren, mas um dia Frieren também estará na mesma posição que ele. Dessa forma, a história nos sugere que mesmo Frieren pode acabar esquecendo as características de Himmel um dia, por mais importante que ele seja para ela. Eu tenho pessoas na família nessa situação, e essa é uma realidade extremamente dolorosa. Essa cena do anime me sensibilizou bastante. Portanto, aqui temos um exemplo de mensagem forte que é construída de forma artística, por meio do recurso do espelho e do declive que representa o fim da vida.

O recurso do duplo é frequentemente empregado em animes e mangás. Contudo, quando esse duplo ocorre entre um personagem e uma imagem dele mesmo (como Seiya adulto e Seiya jovem no filme live-action) ou entre um personagem e alguém importante para ele (como Sísifo de Sagitário e Sasha, no Lost Canvas), torna-se óbvio e chato, por ter sido utilizado em excesso em muitas outras produções.

Eu gostaria que a produção de Saint Seiya tivesse maior cuidado artístico com a forma como a narrativa é estruturada. Quando penso em Saint Seiya, além dos momentos dramáticos dos personagens, também me vêm à mente alguns momentos significativos. 

Um bom exemplo de construção artística em Saint Seiya que eu gosto de mencionar é no mangá de The Lost Canvas. Um dos quadros mais importantes desse mangá é o que apresenta todos os cavaleiros de ouro dentro do salão do Grande Mestre, com exceção de Shion, que chega atrasado à reunião. No fundo do salão, sentado em um trono, está o Grande Mestre Sage. Esse é um quadro importante, pois é aquele que apresenta oficialmente os cavaleiros de ouro ao leitor. Posteriormente, na série Gaiden, vemos um quadro parecido na história de Shion, uma visão com os cavaleiros de ouro no salão do Grande Mestre. Contudo, nessa imagem, o trono está vazio. O leitor entende que os cavaleiros de ouro estão respeitosamente dando passagem para Shion ocupar o cargo de Grande Mestre. Shion não ocupou o cargo de Grande Mestre por mérito. Ele só sobreviveu junto com Dohko, ou seja, só restou ele para ser Grande Mestre. Ele nunca recebeu a aprovação dos colegas cavaleiros de ouro para ocupar aquela posição e nem tem certeza se seria aprovado. O fato de Shion ver seus colegas dando passagem para ele ser o Grande Mestre é um sinal de aprovação e de grande honra, causando um efeito catártico no leitor. Nota-se que a única diferença entre o primeiro e o segundo quadro é a ausência do Grande Mestre no segundo. Uma pequena alteração da imagem trouxe um significado completamente diferente para uma imagem já conhecida do leitor. Isso é uma transformação estética. Na poesia e na literatura, somos surpreendidos quando uma palavra ou elemento ganha um novo significado, e esse significado torna a nossa leitura mais rica. Isso é arte. Da mesma forma, a autora de Lost Canvas produziu arte nesses dois quadros ao dar um novo significado a uma ilustração. Quando eu vi essa ilustração pela primeira vez, fiquei muito emocionada e chorei. Isso só foi possível porque a construção desse quadro não era apenas emocional, mas também artística. Eu quero que Saint Seiya, nos animes, tenha arte desse nível.

Evidentemente, é preciso levar em conta que nem sempre a intenção artística é percebida conscientemente pela audiência. Contudo, muitas vezes, a audiência é capaz de captar a beleza, mesmo que não consiga descrevê-la racionalmente. E depois, quando esse público conseguir perceber como a arte é construída em determinada cena, sentirá um enorme prazer e dará mais valor à obra.

3) Tempo para contemplação

Como eu já mencionei neste texto, a forma como a narrativa é narrada não pode ser acelerada. É claro que as histórias de Saint Seiya envolvem lutas, e as cenas de ação são, logicamente, rápidas. Contudo, momentos em que os personagens são desenvolvidos por meio de diálogos e de momentos fora do campo de batalha não podem ser acelerados. Creio que o medo de o público ficar entediado por falta de lutas seja uma preocupação dos produtores. Mas, para mim, a luta só é interessante quando há um subplot interessante por trás do conflito.

Uma das características de Saint Seiya são as lutas em que personagens resolvem assuntos pendentes, como quando Shun enfrenta Afrodite para vingar a morte de seu mestre e para provar seu valor como homem. Em meio à luta, todo o flashback sobre o treino de Shun na ilha de Andrômeda foi exibido, com a intenção de mostrar à audiência o quão importante o mestre foi para Shun. As lutas de Saint Seiya duravam dois episódios ou mais por causa de subplots assim, que davam significado à luta, deixando-a emocionante. Em resumo: a ação empolga, e o contexto emociona. Empolgar-se com luta não é tão memorável quanto emocionar-se com ela. Eu quero que Saint Seiya tenha lutas mais emocionantes.

Para que essa emoção seja construída na narrativa, é importante não acelerar a história. É preferível uma história bem contada sobre três cavaleiros de ouro do que uma história acelerada com todos os 12, como foi em Soul of Gold. Embora a intenção desse anime tenha sido lançar os bonecos com as armaduras divinas, um cuidado maior com a animação e o roteiro teria sido bem-vindo aos fãs, junto com uma história contada sem pressa. Eu, pelo menos, não criei nenhum vínculo com a história e nem fiquei com vontade de comprar os bonecos por não ter esse vínculo afetivo.

No mundo atual, somos muito acelerados. Os jovens de hoje em dia têm o costume de assistir a vídeos com o dobro de velocidade. Contudo, eu não conheço ninguém da nova geração que leva metade do tempo para recuperar-se da tristeza ou do luto em relação à geração anterior. O tempo que levamos para processar emoções fortes não é diferente. Dessa forma, cenas emotivas em Saint Seiya não deveriam ser retratadas com pressa, nem mesmo a construção dos sentimentos dos personagens. Além disso, Sousou no Frieren é uma prova de que o público não quer histórias aceleradas, mas lentas e contemplativas. Eu sinto muito a falta disso em Saint Seiya.

Conclusão

É claro que há mais coisas que eu gostaria de ver em Saint Seiya, mas destaquei esses três elementos que são fundamentais para a qualidade do roteiro de um anime marcante. É certo elaborar o anime em função dos produtos a serem vendidos. Contudo, a franquia de Saint Seiya se enfraqueceu ao longo dos anos principalmente porque suas últimas produções carecem dos elementos listados aqui. E Sousou no Frieren é a prova de que esses elementos são importantes para o sucesso do produto em questão. É impossível termos um produto forte de Saint Seiya se ele não puder concorrer com títulos fortes como Sousou no Frieren e outros animes que conseguem trabalhar com eficiência a história e os sentimentos dos personagens de modo a sensibilizar o espectador e o fã. É preciso lembrar que esses fãs, assim como eu, são adultos. Nós temos maior capacidade de analisar estruturas narrativas e por isso precisamos de narrativas com melhor qualidade artística, sem se esquecer da emoção.

Embora seja óbvio, afirmo: a opinião positiva dos fãs sobre a história do anime, em conjunto com suas qualidades técnicas, é fundamental para o sucesso de uma franquia. Sousou no Frieren, em pouco tempo, ocupou o #1 no AnimeList, popular site sobre animes. A boa opinião de alguns influenciadores faz com que outros formadores de opinião elogiem o produto. A recomendação boca a boca entre os fãs e o público geral faz com que pessoas fiquem curiosas com esse produto – incluindo norteamericanos! É impossível a franquia de Saint Seiya voltar a fazer sucesso sem passar por esse processo de boa opinião pública, incluindo a dos fãs.

『聖闘士星矢 The Beginning』のネタバレあり第一印象 – 私はまだ欲求不満のファンですか? (2023年4月30日 - Google 翻訳による翻訳)

 今日（2023年4月29日）、聖闘士星矢フランチャイズの最新作を見に行きました。後で映画を見直すと私の意見は変わるかもしれませんが、今日の私の経験の印象は次のとおりです.

甲冑、歴史、キャラクターの国籍など、オリジナルとの変更点について多くのことが語られました。出版されたものをすべて追っていたので、すでにある程度の期待を持って映画館に行きました。良いアクションシーン、良いサウンドトラック、平均的な特殊効果、オリジナルとは非常に異なる脚本を備えた映画を見たいと思っていました。そして、それがまさに私が見つけたものです。しかし、この経験がどのようなものであったかについて、もっと詳しく説明したいと思います。

1) ノイズが多い

この映画で一番印象に残ったのは…騒音です。私は音のノイズについて話しているのではなく、一連の出来事や台本に含まれるノイズが私を悩ませ、物語への没頭に影響を与えていました。

映画の冒頭で、暴力シーンが続くことを切望している男性で構成された群衆に囲まれた、ケージのリングで戦っている星矢がいます. その時、聴衆の誰かがポンポンを持っているのを見ました。はい、チアガールのポンポン、鮮やかなブルーです。私はそれがどれほどばかげているかを笑い始めました。疑問に思っている間、男はポンポンを持って地下のレスリングリングに行くのですか? 気が散りすぎて、聖哉と邪鬼、そしてカシオスとの戦いにほとんど注意を払わなかった. これは多くの人にとって最初の質問でした。

次に、聖哉が木戸アルマン (または木戸光正) を見つけると、追跡シーケンスがあり、アクション、車両、爆発がトンネルで終わります。登場人物はこのトンネルに入るやいなや、追いかけられなくなって安全であるかのように車を止めます。しかし、彼らはまだ追求されています！このトンネルの中に秘密の通路があります。しかし、グラアドの人々がその通路を通って彼らを探さないのはどうしてですか? 結局のところ、彼らがまだこのトンネルにいることは明らかです。反対側から誰も出てこないからです。未解決の追跡シーンです。もう1つ矛盾があります。

同時に、カシオスが聖哉に夢中になっていることがわかります。彼はあなたが嫌い​​です。しかし、これは常軌を逸した……根拠のない憎しみです。なぜ彼は聖哉をそんなに嫌うのですか？ダンスファイトスタイルのせいでしょうか？聖哉が口から葉巻を引きちぎっただけ？理由は何ですか？

また、グラアドが生き残るために人々からコスモスを盗んでいることもわかります. 物語は、宇宙を持つ人と宇宙を持たない人がいるということを示唆しています…何かが原作と矛盾しています. 宇宙の起源は、宇宙万物を生み出したビッグバンのエネルギーです。言い換えれば、宇宙は存在するすべてのもの、つまりすべての人に存在する力です。すべての人が宇宙を目覚めさせる能力を発達させているわけではないことはわかっていますが、それは彼らの中にそれが存在しないという意味ではありません. したがって、コスモで特定の人を狩り、そのエネルギーを吸い取ることは意味がありません。グラアドは、路上で出会った誰に対してもこれを行うことができました。どうやら、ここで宇宙の概念が変わったようです。さもなければ、人間から宇宙を吸い出すこのプロセスがどのように発生するかという条件について、それ以上の説明が不足していました。

星矢とシエナ（沙織）の関係性も微妙。彼女はオリジナルでも貧弱に構築されていますが、それは彼女がこの映画で貧弱に構築されていることを正当化するものではありません. シエナは、原作の沙織と同じように、自分の方が上だと思っている傲慢なお金持ちの女の子です。（ちなみに、なぜシエナは女神であることを誇りに思っているようで、その運命を望んでいないと言うのですか？それは矛盾していませんか？）その後、彼女と聖哉はお互いを理解し、近づくことができましたが、私たちはシエナがこの退屈な女の子として自分自身を示す最初の瞬間と、彼女が聖哉に親切にする瞬間の間に、シエナの本当の発展を見ることができます. このため、彼らの関係構築は強制されているように感じます。どうして聖哉は、自分の前で成熟した瞬間を見せない退屈な女の子を好むのですか? 含む、この関係は、1986年のアニメのセイヤとサオリの間の関係よりも強制されている. アニメでは、サオリがブロンズセインツに対する態度を変え、彼女をより尊重する. 映画では彼女のそのような展開は見られません。これは私を悩ませた別のノイズです。

アルマン・キドが妹の誘拐に関与していたことを知り、彼に満足することを決心したセイヤは、グラアドが現れる. 木戸は奇妙な方法で自分自身を犠牲にします.Guraadがすでに走っているときに、数メートル離れたところに爆弾を投げます. 爆弾は何の役にも立たず、アルマン・キドの同盟国を危険にさらしただけでした。まったく意味のない無意味な死でした。 

聖哉が化粧で意識を失い、それから全く違う化粧で目覚めたのはその瞬間だったと思います. もう一つのノイズ。

ところで、誘拐されたシエナが危ないのに、アテナも守るべきマリンが助けてくれないのはなぜ？そして、彼女がアテナであることを知っているのに、なぜ彼女はいつでもシエナを守らないのですか?

甲冑も気になりました。映画のプロモーション資料ですでに見たのと同じくらい、彼らは私を大いに悩ませました. 私は甲冑のデザインをあまり気にするタイプのファンではありませんが、特に兜は醜いものでした。鳳凰の甲冑の兜は、ネロ（一輝）の頭に対して極端に不釣り合いだった。

ちなみに、ネロはカシオスと同様に非常に発達の悪いキャラクターです。グラアドの命令に従う気力は微塵もなかった。彼はただの悪者です。Guraadにもっと時間を与えるために、そのような重要なキャラクターが脇に追いやられたことは残念です. このキャラクターをさらに発展させる計画があるのは事実ですが、映画は少なくともキャラクターの本当の意図または彼の性格の別の層を示す必要があり、それは彼にいくらかの深みを与えるでしょう. 結局のところ、この映画のネロは平凡で当たり障りのないキャラクターです。

建物の外に引きずり出されるネロと星矢の戦いでは、外の窓が割れる完全にランダムなシーンがあります。では、星矢とネロが外で戦っている場合、外の窓が割れる力は何ですか？これは、建物の外ではなく、建物の中で戦っている場合にのみ意味があります。もう一つのノイズ。

結局、上半身裸になった後（ファンを喜ばせた）、次の瞬間、彼は彼を覆う服を着て現れました. しかし、シナリオ全体が破壊された場合、私は尋ねます：この衣装はどこから来たのですか？通常、キャラクターは、何らかのインフラストラクチャ (消防士、警察など) からの支援を受けた後、何らかのアクセサリを付けて表示されます。ここはシエナ、マイロック、星矢しかいないインフラのない場所。別のノイズ。

映画全体のこれらのノイズやその他のノイズが蓄積し、物語への没頭を妨げました。実際、これらの煩わしさの多くは、派生製品とオリジナル製品の比較ではなく、映画自体の制作に関連しています。映画の物語を楽しむ代わりに、私はずっと、これらすべての相反する詳細について自問自答していました. これにより、この映画に関して私は大きな疎外感と距離感を覚えました。

ただし、ここで指摘したすべての点について注意すべき重要なことがあります。これらの質問は大人から尋ねられたものです。不注意な子供やティーンエイジャーは、これらの矛盾に注意を払いません。つまり、この映画のターゲットは大人のファンではなく、こうした矛盾を気にしない若者だということです。ただ、これは私もターゲットにしているはずの映画であり、それは間違いなく問題です。

2) はい、良い点もありますが、それらについても議論する必要があります

一方で、映画に多くの矛盾があったとしても、それは認めなければなりません。それは楽しい映画です。優れた振り付けがあり、サウンドトラックはその役割を果たしており、象徴的なペガサス ファンタジーへの賛辞とオマージュが込められています。実際、ペガサス ファンタジーのインストゥルメンタル パートは、素晴らしい横山征爾のバージョンを思い出させてくれました。確かにオリジナル作品を尊重する努力があり、この映画はドラゴンボール エボリューションと同じ悲劇ではありません。

しかし、私が印象に残っているのは、私たちが話している楽しさのタイプです. ファンが『聖闘士星矢 The Beginning』を絶賛するのは理解できるが、それは多くの欠点があるにもかかわらず、視聴者に良い戦闘とアクション シーンを提供しているからである。しかし、私にとって、アクションに関するこの前向きな経験は、元の聖闘士星矢での私の経験とはかけ離れていました. そして、これは私がこの映画に対して持っているもう 1 つの批判です。それは聖闘士星矢の基本的な要素をもたらしますが、本質が保存されていると言う人々には同意しません。

したがって、「聖闘士星矢の本質」とは何を理解しているのか、という問いが必要です。このエッセンスが私にとってどのようなものであるかについて、さらに詳しく説明するテキストを書くつもりです。しかし、聖闘士星矢の本質は、オブジェクトのように物語に含まれたり、物語から取り除かれたりする要素ではないと言わざるを得ません。それは物語に組み込まれており、物語によって構築されています。それほど単純ではないからです。

基本的に、「聖闘士星矢のエッセンス」によって、聖闘士星矢を特別で思い出深いものにしています。それは他者性と関係があり、愛の気持ちと関係があり、自己犠牲の考えと関係があり、感謝の気持ちと関係があります. しかし、これらの要素をオブジェクトとして物語に配置するだけでは十分ではありません。観客が感動を感じるように構築する必要があります。観客は登場人物の正直な気持ちに感動しなければなりません。そのためには、優れた脚本 (この映画に欠けているもの) と、そのための技術的条件、つまりノイズがないことが必要です (アニメの場合、優れたアニメーション品質が必要です)。観客が物語に没頭することは非常に重要です。

「本質」が何を意味するのかを例を通して説明する方が簡単です。ポセイドンの前で星矢が倒れて怪我をしたとき、ポセイドンの物語のエピソードが常に頭に浮かびます. その場に紫龍が登場し、その哀れな姿の友人を見て、こんな姿を痛感しながら「一人で死なせはしない」と言う。ここで支配的な感情は「あきらめない」という感情ではないことが観察されます。この状況で紫龍が見ているのは、勝利への道ではなく、彼らの敗北とその後の死です. 星矢が敗北することを知って、紫龍はそこにとどまり、彼と一緒に死ぬことにしました. これは、友情、他者性、愛、自己犠牲、交際の証であり、脚本のセットと視聴者による物語への没入によって構築されました（当時私が子供だったことを思い出してください）。私にとって聖闘士星矢の本質は、それは決してあきらめないという考えだけではなく、観客がキャラクターの正直な気持ちに触れることです。視聴者が、脚本の矛盾や映画やアニメの技術的な問題について考えるのを邪魔された場合、その瞬間に紫龍の悲しみを感じるほど物語に没頭することはできません.

『聖闘士星矢 エピソード G』が公開されたとき、私は自問自答しました。この漫画のセリフは奇妙ですが、物語の唯一のノイズはセリフであり、残りはうまく構成されているため、読者はしばらくするとそれに少し没頭します。物語は、歴史的な出来事、スリーマイル島での事故から始まりますが、これは原作と一致するもので、騎士が秘密裏に歴史的な出来事に干渉しているためです。そこには、サンクチュアリからの脱​​走兵が原子力発電所を破壊し、さらに深刻な事故を引き起こすのを防ごうとする交渉者、ジョン・ブラックというキャラクターの物語があります。アイオリアは誰を守るか、誰を守らないかを決める主人公だが、アイオリアを知らないジョン・ブラックは自らの命を犠牲にしてアイオリアを守り、人を守るのに理由はいらないからです。ジョン・ブラックの誠実さは、アイオリアを保護する必要がないため、実際の効果がなかったとしても、彼の犠牲に表れています。しかし、彼の死は役に立たなかったわけではなく、アイオリアに人々を守るのに理由は必要ないことを教えてくれた. ジョン・ブラックの利他主義と愛（彼が知らない誰かへの愛）とアイオリアの彼への感謝と思いやりを示す行動を見て、聖闘士星矢の本質がそこに保存されていると思いました. 物語の登場人物の間に構築されます。しかし、この物語にノイズを浸透させることはできません。観客は物語から離れることはできません。彼は没頭する必要があります。そして、私にとって、『聖闘士星矢 The Beginning』はあまりにも多くの騒ぎを引き起こしたので、その物語に没頭することができませんでした。

聖闘士星矢の本質については、別のテキストでより詳しく説明するつもりですが、ここで次のことを指摘することが重要でした。物語、そして受け取る人の年齢も経験に影響を与えます。子供たちは矛盾をあまり気にしません。大人です、はい。

それから、妹のパトリシア（セイカ）を探して、映画の中でセイヤの成長があり、彼が彼女に抱いている愛情を示しています. そのストレッチでも、ノイズがあります。なぜ星矢の妹は幼いのにペガサスの鎧を持っているのですか？Guraad が彼女を追う直前に、なぜ彼女は彼らが危険にさらされていることを知っているのですか? この映画の他の矛盾点を考えると、これらの質問に対する答えはこの映画の続編で得られる可能性がありますが、おそらくこれらの特定の質問は続編でも答えられないのではないかと思い始めました. 映画の中で、星矢と妹の愛おしい関係を考える代わりに、自分自身に問いかけていました。映画映画の制作は、特定の選択をしました。言い換えると、

これはこの映画だけの問題ではありません。最近の聖闘士星矢作品のアニメーションの質の悪さも、私が思うように聖闘士星矢を楽しむのを妨げる不快感と距離をもたらしました。これは、何度も何度も起こった後、私を欲求不満のファンにしました.

このように、この映画の聖闘士星矢の本質が何を意味するのか理解できずに、『聖闘士星矢 The Beginning』は面白いと思います。聖闘士星矢。それらは異なる経験です。

典型的なアメリカ映画のスーパー ヒーロー エンターテイメントが必要なときは、マーベルと DC の映画に目を向けます。彼らは楽しく、良いアクションシークエンスを持ち、ある種のスピリットを持っています。日本の美学が欲しいときは、実写がとてもよくできたるろうに剣心を見に行きます。『聖闘士星矢 The Beginning』について考えると、日本作品よりもアメリカ映画に近いエンターテインメントを提供してくれる気がします。これは理にかなっていて、アメリカの観客を対象としたこの映画の制作の意図ですが、問題でもあります.

マイロック（辰巳）というキャラクターは、このエンタテインメントの違いをうまく表現していると思います。確かに、彼はこの映画の良い点の1つです。しかし、彼はアニメで知っている愚かな辰巳とは大きく異なります. 彼はとても楽しいです…しかし、彼はまた聖闘士星矢から非常に遠い. 私はそれが好きだったと同時に、それが好きだったという事実は、聖闘士星矢を見る喜びではなく、アメリカのアクション映画を見たときに感じる喜びにはるかに関連しています. 

ですから、私が「聖闘士星矢の本質」と呼ぶものがなければ、これはかなり虚しい体験です. この映画は楽しく、アメリカのヒーロー映画の消費者としては十分に満足できますが、聖闘士星矢ファンとして満足するには十分ではありません。だから複雑な気持ちで映画館を後にしました。

3) 結論

最後に、この映画の対象視聴者を考慮する必要があります。聖闘士星矢は、新しい視聴者を求めているフランチャイズであり、これらの新しい視聴者が継続する必要があります. これは事実です。しかし、もう 1 つの事実があります。聖闘士星矢も昔からのファン、昔からのファンを失うわけにはいきません。私は聖闘士星矢が大好きで、フランチャイズを続けたいと思っています。しかし、東映アニメーションの作品には、子供の頃に聖闘士星矢と一緒に過ごした喜びが何度も見られません。この大人のファンも東映が救出する必要がある。

では、大人のファンである私が、再びあの楽しみを持てるのか？答えはイエスです。私は今でもマンガをとても楽しんでいますし、The Lost Canvas (実際には別の美学を持っています – 別の投稿で取り上げます) もとても楽しんでいました。『聖闘士星矢 Episode G アサシン』では、聖闘士星矢の本質がどこかで保たれているように感じました。氷河がナタシアを養子に迎えたとき、彼らが何人かの子供たちの体をどうしたかを見て、私は氷河が彼の新しい娘との連帯と受容の正直な気持ちに没頭しているのを見ました. このシーンには痛みがあり、悲しみがあり、愛があります。内省の瞬間に星矢が彼の「子供の自己」を歓迎するとき、私たちは映画でこの効果を引き起こそうとする試みで類似点を作ることさえできます. この瞬間だけは、他の誰かと一緒にいるのではなく、はい、彼はかなり決まり文句の構造で自分自身を持っています。これは、星矢のそばにシュン、シリュウ、ヒョウガという友人が少なくとも1人いなかったという事実に残念に苦しんでいる映画だと思います。

要するに、『聖闘士星矢 The Beginning』についてどう思いますか？昔からのファンで大人になった私にとっては、台本のノイズや演出のせいで、聖闘士星矢の楽しみを取り戻せなかった作品だと思います。主に若い人や不注意な視聴者向けのアクション映画として楽しいですが、この楽しさは聖闘士星矢が私に提供する種類の娯楽とは大きく異なります. したがって、この映画にはメリットがあり、サウンドトラックのペガサスファンタジーや聖闘士が鎧を着る瞬間など、オリジナルへの非常に美しいオマージュがあるにもかかわらず、私は聖闘士星矢の欲求不満のファンのままです.

これもまた何度も見たくなる映画です。たぶん、台本や演出の矛盾について多くの質問をして落ち着いた後、私は彼をもっと好きになるかもしれません. しかし、これには時間がかかるものであり、聖闘士星矢ファンとしての私にとっては、かなり虚しい経験になることは間違いありません. 本当に残念です。

First impressions with spoilers for “Saint Seiya: The Beginning” – Am I still a frustrated fan? (April 30, 2023 - Translated by Google Translate)

 Today (April 29, 2023) I went to watch the newest production of the Saint Seiya franchise. My opinion may change after reviewing the film later, but my impressions of my experience today are here.

Much was said about the changes in relation to the original: the armor, the history, the nationality of the characters, etc. As I followed everything that was published, I already went to the cinema with a certain expectation: I expected to see a film with good action scenes, a good soundtrack, average special effects and a script that was very, very different from the original. And that’s exactly what I found. But I want to detail more about how this experience was.

1) Lots of noise

The strongest impression I got from this movie was… the noises. I’m not talking about sound noises, but noises in the sequence of events and in the script that were bothering me and affecting my immersion in the narrative.

At the beginning of the film, we have Seiya fighting in a ring in a cage, surrounded by a crowd made up of men eager for the scenes of violence to follow. And that’s when I saw someone in the audience holding a pompom. Yes, a cheerleader pompom, bright blue. I started to laugh at how ridiculous that was, while wondering: what makes a guy go to an underground wrestling ring with a pompom? It distracted me so much that I barely paid attention to Seiya’s fight against Jaki and then Cassios. This was the first question of many.

Then, when Seiya finds Alman Kido (or Mitsumasa Kido), we have a chase sequence, with action, vehicles and explosions that end up in a tunnel. As soon as the characters enter this tunnel, they stop the car as if they were no longer being chased and were safe. But they are still being pursued! Inside this tunnel, there is a secret passage. But how is it that the people of Guraad don’t look for them through that passage? After all, it’s obvious that they’re still in this tunnel, because no one is going to come out from the other side. It’s an unresolved chase scene. We have one more inconsistency.

At the same time, we see that Cassios is obsessed with Seiya. He hates Seiya. But this is an out-of-the-ordinary and… baseless hatred. Why does he hate Seiya so much? Is it just because of the dancing fighting style? Is it just because Seiya ripped the cigar out of his mouth? What is the reason?

We also see that Guraad is stealing cosmo from people to survive. The narrative suggests that there are people with cosmos and people without cosmo… something that contradicts the original. After all, the origin of the cosmo is the energy of the Big Bang, which gave rise to all things in the universe. In other words, cosmos is a force that is present in everything that exists – including all people. We know that not all people develop the ability to awaken the cosmo, but that doesn’t mean it doesn’t exist in them. Therefore, it makes no sense for someone to be hunting specific people with cosmo to suck that energy out of them. Guraad could do this to anyone she met on the street. Apparently, we have a change of concept of cosmo here. Or else there was a lack of further explanation of the conditions of how this process of sucking the cosmo out of a person occurs.

The relationship between Seiya and Sienna (Saori) is also poorly constructed. She’s poorly built in the original too, but that doesn’t justify her being poorly built in this movie. Sienna is the arrogant rich girl who thinks she’s superior, just like Saori in the original. (By the way, why does Sienna seem proud of being a goddess and then say she doesn’t want that fate? Isn’t that contradictory?) Afterwards, she and Seiya manage to understand each other and get closer, but we don’t see a real development of Sienna between a first moment, when she shows herself as this annoying girl, and a second, when she is nice to Seiya. Because of this, their relationship building feels forced. Why would Seiya like such a annoying girl who doesn’t show a maturing moment in front of him? Besides, this relationship is more forced than the one between Seiya and Saori in the 1986 anime. In the anime, we see that Saori changes her attitude towards the Bronze Saints, which makes them respect her more. We don’t see that development of hers in the movie. This is another noise that bothered me.

When Seiya discovers that Alman Kido was involved in his sister’s kidnapping and decides to take satisfaction with him, Guraad appears. Kido sacrifices himself in a strange way, as he throws a bomb at Guraad when she is already running, several meters away. The bomb was of no benefit at all and only endangered Alman Kido’s allies. It was a completely pointless and meaningless death. 

I think it was at that moment when Seiya loses consciousness with a make-up and then wakes up with a very different one. One more noise.

By the way, if Sienna, after being kidnapped, is in danger, why doesn’t Marin, who should also protect Athena, save her? And why doesn’t she protect Sienna at any time, if she knows that she is Athena?

The armor also bothered me. As much as I had already seen them in the promotional material for the film, they bothered me a lot. I’m not the type of fan that cares too much about the design of the armor, but… they were ugly, especially the helmets. The helmet of the Phoenix armor was extremely disproportionate in relation to Nero’s (Ikki) head.

Nero, by the way, is a very poorly developed character, as well as Cassios. I saw not a shred of motivation for following Guraad’s orders. He’s just the bad guy. It’s a shame that such an important character was sidelined to give Guraad more time. It is true that there is planning for further development of this character, but the film needed to give at least an indication of the character’s real intentions or another layer in his personality, which would give him some depth. In the end, Nero, in this film, is a flat and bland character.

In the fight between Nero and Seiya, which drags itself outside the building, we have a completely random scene of the windows breaking outside. Well, if Seiya and Nero are fighting outside, what force is it that makes the windows break outside? This would only make sense if they were fighting inside the building, not outside. One more noise.

In the end, after we have Seiya shirtless (to the delight of the fans), he appears the next moment with a piece of clothing covering him. But, if the whole scenario is destroyed, I ask: where did this outfit come from? Usually the character appears with some accessory after receiving help from some kind of infrastructure (firefighters, police, etc.). Here we only have Sienna, Mylock and Seiya, in a place without any infrastructure. Another noise.

It was these and other noises throughout the film that, accumulated, disturbed my immersion in the narrative. Many of these annoyances, in fact, are not so much related to the comparison between derivative and original product, but rather to the production of the film itself. Instead of enjoying the film’s narrative, I was, the whole time, questioning myself about all these conflicting details. This caused me a great estrangement and distancing in relation to this film.

However, there’s something important to note about all the points I’ve noted here: these questions were asked by an adult. An inattentive child or teenager would not pay attention to these inconsistencies. This means that the target audience for this film is not the adult fan, but the young person who won’t care about these inconsistencies. It’s just that this is a movie that should also be targeting me, and that’s definitely a problem.

2) Yes, there are positive points, but they also need to be discussed

If, on the one hand, the film had many inconsistencies, on the other hand, it must be admitted: it is a fun film. It has good choreography and the soundtrack does its job, with a nod and homage to the iconic Pegasus Fantasy. In fact, the instrumental part of Pegasus Fantasy reminded me a lot of the version by the great Seiji Yokoyama, which was really cool and turned out really nice. There was indeed an effort to respect the original work and the film is not the same tragedy that was Dragon Ball Evolution.

What strikes me, however, is the type of fun we are talking about. I can understand the fans praising “Saint Seiya: the Beginning”, because even though it has many flaws, it still offers the viewer good fights and action scenes. But for me, this positive experience regarding the action was quite far from my experience with the original Saint Seiya. And this is another criticism I have of this film: it brings fundamental elements of Saint Seiya, but I disagree with those who say that the essence was preserved.

Hence, it is necessary to question: what do I understand by “essence of Saint Seiya”? I still intend to write a text detailing more about what this essence is for me. But I need to say that the essence of Saint Seiya is not an element that is included or removed from the narrative as if it were an object. It’s built into the narrative and it’s built by the narrative, because it’s not that simple.

Basically, “essence of Saint Seiya” is what makes Saint Seiya special and memorable. It has to do with otherness, it has to do with the feeling of love, it has to do with the idea of ​​self-sacrifice, it has to do with the feeling of gratitude. But it is not enough to place these elements in the narrative as if they were objects: it is necessary to build them so that the spectator feels moved. The spectator must be moved by the honesty of the characters’ feelings. For this, there needs to be a good script – something this film lacks – and the technical conditions for this, that is, the absence of noise (in the case of anime, you need to have good animation quality). It is very important that the spectator is immersed in the narrative.

It is easier to explain what I mean by “essence” through examples. An episode from the saga of Poseidon always comes to mind, when Seiya is down and injured in front of Poseidon. Shiryu enters the scene and, seeing his friend in that pitiful state, with the pain of seeing him like this, says: “I won’t let you die alone”. It is observed that here the dominant feeling is not that of “not giving up”. What Shiryu is seeing in this situation is not the path to victory, but their likely defeat and subsequent death. Knowing that Seiya will be defeated, Shiryu decides to stay there and die with him. This is a proof of friendship, of otherness, of love, of self-sacrifice, of companionship, which was built by the set of script and immersion of the narrative by the viewer (remembering that I was a child at that time). The essence of Saint Seiya, for me, it is not simply in the idea of ​​never giving up, but in the spectator’s contact with the honest feeling of the character. If the viewer is disturbed thinking about some inconsistency in the script or some technical problem in the film or anime, he will not be immersed enough in the narrative to feel Shiryu’s sadness at that moment.

When “Saint Seiya – Episode G” was released, I asked myself the question: does the first chapter of this manga have the essence of Saint Seiya? Although the line of this manga is strange, after a while the reader gets a bit of an immersion in it, because the line is the only noise in the narrative and the rest is well constructed. The story starts from a historical event, the accident at Three Mile Island, something that is consistent with the original, as saints interfere in historical events in secret. And there we have the story of the character John Black, a negotiator who tries to prevent a deserter from the Sanctuary from destroying the nuclear power plant and causing an even more serious accident. We see that Aiolia is a protagonist who decides who will and who will not protect, but John Black, who does not know Aiolia, sacrifices his own life to protect him, because he doesn’t need a reason to protect a person. John Black’s honesty is present in his sacrifice, even if it did not have a practical effect, as Aiolia does not need to be protected. But his death wasn’t useless, as it served to teach Aiolia that he doesn’t need to have a reason to protect people. When I saw how much John Black’s action showed altruism and love (for someone he doesn’t know) and Aiolia’s gratitude and consideration for him, I thought: the essence of Saint Seiya is preserved there. It is built between the characters in the narrative. But this narrative cannot be permeated with noise. The spectator cannot be distant from the story, he needs to be immersed. And, for me, “Saint Seiya: The Beginning” brought so much noise that it prevented me from immersing myself in its narrative.

I intend to deal more with the essence of Saint Seiya in a different text to explain it better, but it was important that I point out the following here: what I understand by “essence of Saint Seiya” is not so simple to be constructed in the narrative, and the age of the viewer also affects the experience. Children don’t care so much about inconsistencies; adults, yes.

Then we have Seiya’s development in the film, in his search for his sister Patricia (Seika), showing the affection he has for her. Even on that stretch, there are noises. Why does Seiya’s sister, so young, have the Pegasus armor? Why does she know they are in danger just before Guraad comes after her? Considering other inconsistencies in the film, I began to think that while the answers to these questions will come in possible sequels to this film, maybe these specific questions will go unanswered, even in sequels. During the film, instead of thinking about the affectionate relationship between Seiya and his sister, I was asking myself these questions, that is, I was not really immersed in the flow of events in the film, but I was thinking about the reason why the production of the film film have made certain choices. I was distant from the story being told.

This is not a problem unique to this film. The poor animation quality of the latest Saint Seiya productions also caused me discomfort and distance that prevented me from enjoying Saint Seiya the way I wanted. This, after occurring over and over again, made me a frustrated fan.

In this way, without being able to see what I mean by the essence of Saint Seiya in this film, I feel that “Saint Seiya: the Beginning” is fun, yes, but in a different way than the fun I have with the original Saint Seiya. They are different experiences.

When I want typical American movie superhero entertainment, I turn to Marvel and DC movies. They’re fun, they have good action sequences, they have a certain spirit. When I want something with a Japanese aesthetic, I go to see Rurouni Kenshin, which was very well executed live action. When I think about “Saint Seiya: the Beginning”, I feel that it provides me with entertainment closer to American films than the one I have with Japanese productions. This makes sense and is the intention of the production of this film, which is aimed at an American audience, but it is also a problem.

I think the character Mylock (Tatsumi) represents this difference in entertainment well. He is one of the positive points of the film, for sure. However, he is very different from the silly Tatsumi we know in the anime. He’s a lot of fun… but he’s also very far from Saint Seiya. I liked him, at the same time that the fact that I liked him is much more related to the pleasure I feel when I see an American action film, and not the pleasure of seeing Saint Seiya. 

So without what I call the “essence of Saint Seiya”, this is a rather hollow experience. The movie is fun and even satisfies me as a consumer of American hero movies, but… it’s not enough to satisfy me as a Saint Seiya fan. So I ended up leaving the cinema with mixed feelings.

3) Conclusion

Finally, it is necessary to consider the target audience of this film. Saint Seiya is a franchise that seeks new audiences and needs these new audiences to continue. This is a fact. However, we have another fact: Saint Seiya also cannot lose its old audience, its old fans. I love Saint Seiya deeply and I want the franchise to continue. However, again and again, I don’t find in Toei Animation’s productions the pleasure that I had with Saint Seiya as a child. It is necessary that Toei rescue this adult fan as well.

Thus, the question arises: is it possible for me, who is an adult fan, to have that pleasure again? The answer is yes. I still have a lot of fun with the manga and I had a lot of fun with The Lost Canvas (which actually has a different aesthetic – I’ll cover that in another post). In “Saint Seiya: Episode G Assassin”, I felt that the essence of Saint Seiya was preserved in some moments. When Hyoga adopts Natassia, seeing what they did with the bodies of several children, I found myself there immersed in Hyoga’s honest feeling of solidarity and acceptance with his new daughter. There is pain, there is sadness and there is love in this scene. We can even make a parallel in the attempt to cause this effect in the film, when Seiya embraces his “child self” in a moment of introspection. Only this moment is not about him with someone else, but rather of him with himself in a rather cliché construction. I think this is a movie that unfortunately suffered because Seiya didn’t have at least one of his friends by his side – Shun, Shiryu and Hyoga.

In short, what do I think of “Saint Seiya: the Beginning”? I think it’s a film that failed to bring back the pleasure of Saint Seiya for me, who is an old fan, now an adult, due to several noises in the script and the way the film was produced. It is fun as an action movie, mainly for a younger and/or inattentive audience, but this fun is very different from the kind of entertainment that Saint Seiya offers me. Therefore, I remain a frustrated fan of Saint Seiya, even though this film does have its merits, with some very beautiful homages to the original, such as Pegasus Fantasy in the soundtrack and the moment when Seiya wears his armor.

This is also a movie I feel I need to see more often. Maybe, after calming down with so many questions about so many script and production inconsistencies, I might end up liking it more. But this is something that will take time and will certainly still be a rather hollow experience for me as a Saint Seiya fan. It’s really a pity.

Primeiras impressões com spoilers de “Saint Seiya: The Beginning” – Ainda sou uma fã frustrada? (30 de abril de 2023)

 Hoje (29 de abril de 2023) fui assistir à mais nova produção da franquia de Saint Seiya. Pode ser que minha opinião mude depois de rever o filme mais à frente, mas seguem minhas impressões da minha experiência de hoje.

Muito se falava sobre as mudanças em relação ao original: as armaduras, a história, a nacionalidade dos personagens etc. Como eu acompanhava tudo que era publicado, já fui ao cinema com certa expectativa: eu esperava ver um filme com boas cenas de ação, uma boa trilha sonora, efeitos especiais medianos e um roteiro muito, mas muito diferente em relação ao original. E é exatamente o que eu encontrei. Mas eu quero detalhar mais como foi essa experiência.

1) Muitos ruídos

A impressão mais forte que tive desse filme foram… os ruídos. Não estou falando de ruídos sonoros, mas de ruídos na sequência dos acontecimentos e no roteiro que foram me incomodando e afetando minha imersão na narrativa.

No começo do filme, temos o Seiya lutando em um ringue numa gaiola, cercado de uma torcida composta de homens ávidos pelas cenas de violência a seguir. E foi lá que eu vi alguém na plateia segurando um pompom. Sim, um pompom de líder de torcida, azul brilhante. Eu comecei a rir do quão ridículo era aquilo, enquanto me perguntava: o que leva um cara a ir a um ringue clandestino de luta com um pompom? Isso me distraiu tanto que mal prestei atenção na luta do Seiya contra Jaki e depois contra o Cassios. Esse foi o primeiro questionamento de vários.

Depois, quando Seiya encontra Alman Kido (ou Mitsumasa Kido), temos uma sequência de perseguição, com ação, veículos e explosões que acabam em um túnel. Assim que os personagens entram nesse túnel, eles param o carro como se já não estivessem mais sendo perseguidos e estivessem seguros. Mas eles ainda estão sendo perseguidos! Dentro desse túnel, tem uma passagem secreta. Mas como é que o pessoal de Guraad não os procura por essa passagem? Afinal de contas, é óbvio que eles continuam nesse túnel, pois ninguém vai sair do outro lado. É uma cena de perseguição mal resolvida. Temos mais uma inconsistência.

Paralelamente, vemos que Cassios está obcecado pelo Seiya. Ele o odeia. Mas esse é um ódio fora do comum e… sem fundamento. Por que ele odeia tanto o Seiya? É só por causa do estilo de luta dançante? É só porque Seiya arrancou o charuto da boca dele? Qual é o motivo?

Também vemos que Guraad está roubando cosmo das pessoas para sobreviver. A narrativa dá a entender que há pessoas com cosmo e pessoas sem cosmo… algo que contradiz o original. Afinal, a origem do cosmo é a energia do Big Bang, que deu origem a todas as coisas do universo. Em outras palavras, cosmo é uma força que está presente em tudo que existe – incluindo todas as pessoas. Sabemos que nem todas as pessoas desenvolvem a capacidade de despertar o cosmo, mas isso não significa que ele não exista nelas. Portanto, não faz sentido alguém ficar caçando pessoas específicas com cosmo para sugar essa energia delas. Guraad podia fazer isso com qualquer pessoa que encontrasse na rua. Aparentemente, temos uma mudança do conceito de cosmo aqui. Ou então faltaram maiores explicações das condições de como esse processo de sugar o cosmo de uma pessoa ocorre.

A relação entre Seiya e Sienna (Saori) também é mal construída. Ela é mal construída no original também, mas isso não justifica ela ser mal construída nesse filme. Sienna é a menina rica arrogante que se acha superior, assim como a Saori no original. (Aliás, por que Sienna parece sentir orgulho por ser deusa e logo depois diz que não quer esse destino? Isso não é contraditório?) Depois, ela e Seiya conseguem se entender e se aproximam, mas não vemos um desenvolvimento real da Sienna entre um primeiro momento, em que ela se mostra essa menina chata, e um segundo, em que ela é legal com o Seiya. Por causa disso, a construção do relacionamento deles parece forçada. Por que Seiya iria gostar de uma menina tão chata que não mostra um momento de amadurecimento na sua frente? Inclusive, esse relacionamento é mais forçado do que aquele entre Seiya e Saori no anime de 1986. No anime, vemos que Saori muda sua postura diante dos cavaleiros de bronze, o que faz com que eles a respeitem mais. Não vemos esse desenvolvimento dela no filme. Esse é outro ruído que me incomodou.

Já quando Seiya descobre que Alman Kido estava envolvido no sequestro de sua irmã e resolve tirar satisfação com ele, Guraad aparece. Kido se sacrifica de um jeito estranho, pois ele atira uma bomba em Guraad quando ela já estava em fuga, a vários metros de distância. A bomba não foi vantajosa em absoluto e só colocou os aliados de Alman Kido em perigo. Foi uma morte completamente inútil e sem sentido. 

Acho que foi nesse momento em que Seiya perde a consciência com uma maquiagem e depois desperta com outra muito diferente. Mais um ruído.

A propósito, se Sienna, depois de sequestrada, fica em perigo, por que Marin, que também deveria proteger Athena, não vai salvá-la? E por que ela não protege a Sienna em nenhum momento, se sabe que ela é Athena?

As armaduras também me incomodaram. Por mais que eu já as tivesse visto no material de divulgação do filme, elas me incomodaram bastante. Eu não sou o tipo de fã que liga muito para o design das armaduras, mas… ficaram feias, sobretudo os elmos. O elmo da armadura de Fênix ficou extremamente desproporcional em relação à cabeça do Nero (Ikki).

Nero, aliás, é um personagem pouquíssimo desenvolvido, assim como Cassios. Não vi nem sombra da motivação que o levasse a seguir as ordens de Guraad. Ele é simplesmente o cara mau. É uma pena que um personagem tão importante tenha sido jogado de lado para dar mais tempo a Guraad. É verdade que há planejamento para um desenvolvimento posterior desse personagem, mas era preciso que o filme desse pelo menos um indicativo das reais intenções do personagem ou de outra camada em sua personalidade, que lhe desse alguma profundidade. No final, Nero, nesse filme, é um personagem plano e sem graça.

Na luta entre Nero e Seiya, que se arrasta para o lado de fora do edifício, temos uma cena completamente aleatória dos vidros das janelas quebrando para o lado de fora. Ora, se Seiya e Nero estão lutando no lado de fora, que força é essa que faz os vidros quebrarem para fora? Isso só faria sentido se eles estivessem lutando dentro do edifício, e não fora. Mais um ruído.

No final, depois de termos o Seiya sem camisa (para a alegria das fãs), ele aparece no momento seguinte com uma peça de roupa o cobrindo. Mas, se todo o cenário está destruído, eu pergunto: de onde veio essa roupa? Geralmente o personagem aparece com algum acessório depois de receber ajuda de algum tipo de infraestrutura (bombeiros, policiais etc). Aqui só temos Sienna, Mylock e Seiya, num lugar sem infraestrutura alguma. Outro ruído.

Foram esses e outros ruídos ao longo do filme que, acumulados, atrapalharam a minha imersão na narrativa. Muitos desses incômodos, na verdade, não têm tanta relação com a comparação entre produto derivado e original, mas sim com a produção do próprio filme. Em vez de fruir a narrativa do filme, fiquei, o tempo todo, me questionando sobre todos esses detalhes conflituosos. Isso me gerou um grande estranhamento e distanciamento em relação a esse filme.

Entretanto, há algo importante a observar em relação a todos os pontos que eu anotei aqui: esses questionamentos foram feitos por uma pessoa adulta. Uma criança ou um adolescente desatento não prestariam atenção nessas inconsistências. Isso significa que o público-alvo desse filme não é o fã adulto, e sim o jovem que não vai ligar para essas inconsistências. Só que esse é um filme que também deveria me ter como público-alvo, e isso é definitivamente um problema.

2) Há pontos positivos sim, mas eles também precisam ser discutidos

Se, por um lado, o filme apresentou muitas inconsistências, por outro, é preciso admitir: é um filme divertido. Tem boa coreografia e a trilha sonora cumpre sua função, com aceno e homenagem à icônica Pegasus Fantasy. Inclusive, a parte instrumental de Pegasus Fantasy me lembrou muito a versão do grande Seiji Yokoyama, o que foi muito legal e ficou muito bonito. Existiu de fato um esforço em respeitar a obra original e o filme não chega a ser a mesma tragédia que foi Dragon Ball Evolution.

O que me chama a atenção, no entanto, é quanto ao tipo de diversão de que estamos falando. Eu consigo entender os fãs que saem elogiando “Saint Seiya: the Beginning”, porque, mesmo tendo muitas falhas, ele ainda oferece ao espectador boas lutas e cenas de ação. Mas, para mim, essa experiência positiva quanto à ação foi bastante distante da minha experiência com Saint Seiya original. E essa é outra crítica que tenho a esse filme: ele traz elementos fundamentais de Saint Seiya, mas eu discordo daqueles que dizem que a essência foi preservada.

Daí, é preciso questionar: o que eu entendo por “essência de Saint Seiya”? Eu ainda pretendo escrever um texto detalhando mais sobre o que é essa essência para mim. Mas eu preciso dizer que a essência de Saint Seiya não é um elemento que se inclui ou se retira na narrativa como se fosse um objeto. Ela é construída na narrativa e é construída pela narrativa, porque não é tão simples.

Basicamente, entendo por “essência de Saint Seiya” aquilo que torna Saint Seiya especial e memorável. Tem a ver com alteridade, tem a ver com o sentimento de amor, tem a ver com a ideia de autossacrifício, tem a ver com o sentimento de gratidão. Só que não basta colocar esses elementos na narrativa como se fossem objetos: é preciso construí-los para que o espectador se sinta comovido. É preciso que o espectador seja movido pela honestidade dos sentimentos dos personagens. Para isso, é preciso haver um bom roteiro – algo de que esse filme carece – e de condições técnicas para isso, ou seja, ausência de ruídos (no caso dos animes, é preciso ter boa qualidade de animação). É muito importante que haja imersão do espectador na narrativa.

É mais fácil explicar o que eu entendo por “essência” por meio de exemplos. Sempre me vem à mente um episódio da saga de Poseidon, quando Seiya está caído e ferido diante de Poseidon. Shiryu entra em cena e, ao ver o amigo naquele estado lastimável, com a dor de vê-lo assim, diz: “não vou deixar que morra sozinho”. Observa-se que aqui que o sentimento dominante não é o de “não desistir”. O que Shiryu está vendo nessa situação não é o caminho para a vitória, e sim a provável derrota e subsequente morte deles. Sabendo que Seiya vai ser derrotado, Shiryu decide ficar lá e morrer com ele. Essa é uma prova de amizade, de alteridade, de amor, de autossacrifício, de companheirismo, que foi construída pelo conjunto de roteiro e imersão da narrativa por parte do espectador (lembrando que eu era criança nessa época). A essência de Saint Seiya, para mim, não está simplesmente na ideia de nunca desistir, e sim no contato do espectador com o sentimento honesto do personagem. Caso o espectador esteja perturbado pensando em alguma inconsistência do roteiro ou em algum problema técnico do filme ou do anime, ele não estará imerso o suficiente na narrativa para sentir a tristeza de Shiryu nesse momento.

Quando “Saint Seiya – Episode G” foi lançado, eu me fiz a pergunta: o primeiro capítulo desse mangá tem a essência de Saint Seiya? Embora o traço desse mangá cause um estranhamento, depois de um tempo, o leitor consegue um pouco de imersão nele, porque o traço é o único ruído na narrativa e o resto é bem construído. A história parte de um acontecimento histórico, o acidente de Three Mile Island, algo que é coerente com o original, pois cavaleiros interferem em acontecimentos históricos em segredo. E lá temos a história do personagem John Black, um negociador que tenta impedir um desertor do Santuário de destruir a usina nuclear e causar um acidente ainda mais grave. Vemos que Aiolia é um protagonista que decide quem vai e quem não vai proteger, mas John Black, que não conhece Aiolia, sacrifica a própria vida para protegê-lo, porque não é necessário haver um motivo para proteger uma pessoa. A honestidade de John Black está presente no seu sacrifício, ainda que não tenha surtido um efeito prático, pois Aiolia não precisa ser protegido. Mas sua morte não foi inútil, pois serviu para ensinar a Aiolia que ele não precisa ter um motivo para proteger as pessoas. Quando eu vi o quanto a ação de John Black mostrou altruísmo e amor (por alguém que não conhece) e a gratidão e a consideração de Aiolia por ele, pensei: a essência de Saint Seiya está preservada aí. Ela é construída entre os personagens na narrativa. Só que essa narrativa não pode estar permeada de ruídos. O espectador não pode estar distante da história, ele precisa estar imerso. E, para mim, “Saint Seiya: The Beginning” trouxe tantos ruídos que me impediu de me imergir em sua narrativa.

Pretendo tratar mais da essência de Saint Seiya em um texto diferente para explicá-la melhor, mas era importante que eu pontuasse aqui o seguinte: o que eu entendo por “essência de Saint Seiya” não é tão simples de ser construído na narrativa, e a idade de quem recebe o produto também afeta a experiência. Crianças não ligam tanto para inconsistências; adultos, sim.

Daí temos o desenvolvimento do Seiya no filme, na sua busca pela irmã Patricia (Seika), mostrando o afeto que ele tem por ela. Mesmo nesse trecho, há ruídos. Por que a irmã de Seiya, tão nova, possui a armadura de Pégaso? Por que ela sabe que eles estão em perigo pouco antes de Guraad vir atrás dela? Considerando outras inconsistências do filme, comecei a achar que, embora as respostas dessas perguntas venham em possíveis continuações desse filme, talvez essas perguntas em específico acabem sem resposta, mesmo em continuações. Durante o filme, em vez de eu pensar na relação de carinho entre Seiya e sua irmã, eu estava me fazendo essas perguntas, ou seja, eu não estava realmente imersa no fluxo dos acontecimentos do filme, mas estava pensando no motivo de a produção do filme ter feito determinadas escolhas. Em outras palavras, eu estava distante da história sendo contada.

Esse não é um problema exclusivo desse filme. A má qualidade de animação das últimas produções de Saint Seiya também me causaram incômodos e distanciamento que me impediram de fruir Saint Seiya da forma como eu queria. Isso, depois de ocorrer repetidas vezes, me tornou uma fã frustrada.

Dessa forma, sem conseguir perceber o que entendo por essência de Saint Seiya nesse filme, sinto que “Saint Seiya: the Beginning” é divertido sim, mas de uma forma diferente da diversão que tenho com Saint Seiya original. São experiências diferentes.

Quando eu quero entretenimento de super-herói típico de filme americano, recorro aos filmes da Marvel e da DC. Eles são divertidos, possuem boas sequências de ação, possuem certo espírito. Quando eu quero algo com estética japonesa, vou ver Rurouni Kenshin, que foi um live action muito bem executado. Quando penso em “Saint Seiya: the Beginning”, sinto que ele me fornece um entretenimento mais próximo dos filmes americanos do que aquele que tenho com produções japonesas. Isso faz sentido e é a intenção da produção desse filme, que é voltado para o público estadunidense, mas também é um problema.

Acho que o personagem Mylock (Tatsumi) representa bem essa diferença de entretenimento. Ele é um dos pontos positivos do filme, com toda a certeza. Contudo, ele é muito diferente daquele Tatsumi bobalhão que conhecemos no anime. Ele é muito divertido… mas também é muito distante de Saint Seiya. Eu gostei dele, ao mesmo tempo em que o fato de eu gostar dele está muito mais relacionado ao prazer que sinto quando vejo um filme de ação americano, e não ao prazer de ver Saint Seiya. 

Portanto, sem aquilo que eu chamo de “essência de Saint Seiya”, essa é uma experiência um tanto esvaziada. O filme é divertido e até me satisfaz como consumidora de filmes de heróis americanos, mas… não é o suficiente para me satisfazer como fã de Saint Seiya. Por isso, acabei saindo do cinema com sentimentos diferentes misturados.

3) Conclusão

Para finalizar, é preciso ponderar sobre o público-alvo desse filme. Saint Seiya é uma franquia que busca novos públicos e precisa desses novos públicos para continuar. Isso é fato. Contudo, temos outro fato: Saint Seiya também não pode perder o seu velho público, os seus fãs antigos. Eu amo Saint Seiya profundamente e quero que a franquia continue. Entretanto, de novo e de novo, não encontro nas produções da Toei Animation o prazer que eu tive com Saint Seiya quando criança. É preciso que a Toei resgate esse fã adulto também.

Dessa forma, faz-se a pergunta: é possível eu, que sou uma fã adulta, ter esse prazer novamente? A resposta é sim. Eu ainda me divirto bastante com os mangás e me diverti bastante com The Lost Canvas (que tem, na verdade, uma estética diferente – vou tratar disso em outro texto). Em “Saint Seiya: Episode G Assassin”, senti que a essência de Saint Seiya estava preservada em alguns momentos. Quando Hyoga adota Natassia, ao ver o que fizeram com os corpos de várias crianças, eu me vi ali imersa no sentimento honesto de solidariedade e de acolhimento de Hyoga com sua nova filha. Há dor, há tristeza e há amor nessa cena. Nós até podemos fazer um paralelo na tentativa de causar esse efeito no filme, quando Seiya acolhe seu “eu criança” em um momento de introspecção. Só que esse momento não se trata dele com outra pessoa, e sim dele consigo mesmo numa construção bastante clichê. Acho que esse é um filme que infelizmente sofreu pelo fato de Seiya não ter ao seu lado pelo menos um de seus amigos – Shun, Shiryu e Hyoga.

Resumindo, o que eu acho de “Saint Seiya: the Beginning”? Acho que é um filme que falhou em trazer de volta o prazer de Saint Seiya para mim, que sou uma fã antiga, agora adulta, por conta de vários ruídos no roteiro e da forma como o filme foi produzido. Ele é divertido como um filme de ação, principalmente para um público mais jovem e/ou desatento, mas essa diversão é bem diferente do tipo de entretenimento que Saint Seiya me oferece. Portanto, eu continuo sendo uma fã frustrada de Saint Seiya, ainda que esse filme tenha sim seus méritos, com algumas homenagens muito bonitas ao original, como Pegasus Fantasy na trilha sonora e o momento em que Seiya veste sua armadura.

Esse também é um filme que eu sinto que preciso ver mais vezes. Talvez, depois de eu me acalmar com tantos questionamentos em relação a tantas inconsistências de roteiro e de produção, pode ser que eu acabe gostando mais dele. Mas isso é algo que vai demandar tempo e, com certeza, ainda será uma experiência bastante esvaziada para mim como fã de Saint Seiya. É realmente uma pena.